Cette année, la Région Hauts-de-France a proposé à l’ensemble des 21 compagnies sélectionnées en 2020 pour se produire dans le cadre du Festival d’Avignon finalement annulé, de bénéficier d’un report de leur sélection en 2021, tout en accompagnant de nouvelles créations. Ce sont donc au total 24 compagnies issues des 5 départements des Hauts-de-France qui sont accompagnées par le dispositif régional « Hauts-de-France en Avignon », qui porte par ailleurs une attention particulière aux jeunes artistes avec le volet « Émergence », pour la présentation d’une de leurs dernières créations dans la Cité des Papes.
Le vendredi 9 juillet sera l’occasion d’une journée professionnelle Hauts-de-France placée sous le signe des retrouvailles, qui proposera une réflexion collective sur la manière de “faire autrement culture ensemble”.
Photo © Actes Pro – Source : www.actespro.fr
Au programme :
De 10h00 à 12h00 à l’Agora, Village du OFF
Table ronde « Produire, créer : une autre fin du monde est possible »
Organisée avec Actes Pro, réseau de compagnies de spectacle vivant des Hauts-de-France. Il sera question de faire du théâtre autrement, de croiser des expériences singulières et de réfléchir aux nouveaux modèles de théâtre.
Avec :
Caroline Lozé du Théâtre du Nord de Lille,
Valérie Suner du théâtre de la Poudrerie de Sevran,
Olivier Tirmarche du collectif Superamas d’Amiens,
et sous réserve Charline Alexandre du Collectif Tout Un Monde de Toulouse.
Avec la contribution du Nouveau Théâtre Populaire.
De 15h00 à 17h00 à l’espace professionnel, Village du OFF Place de la création
Hauts-de-France # 2 : relions-nous !
Plusieurs ateliers-forums proposés afin de poursuivre les réflexions initiées dans la matinée, sur des enjeux aussi divers que le soutien à la production régionale, la promotion de la circulation artistique inter comme infra-régionale ou encore la relation de l’artiste au territoire et à ses habitants.
>>> Uniquement sur inscription
Comme lors des précédentes éditions, l’opération « Des Lycéens des Hauts-de-France en Avignon » mise en place en lien avec le CEMEA (Centre d’entrainement aux méthodes d’éducation active) permettra à 180 lycéens d’une douzaine de lycées de la région de découvrir le festival, d’assister à des spectacles et de participer à des ateliers.
Enfin, une application interactive accessible via le QR code présente les spectacles proposés par les compagnies sélectionnées dans le cadre du dispositif régional, et permet de les géolocaliser en Avignon.
Les productions des Hauts-de-France visibles dans le cadre du festival Off :
Marionnette, danse, théâtre, musique, jeune public
DADAAA DUO
Tout public à partir de 2 ans – Durée : 30 mn
Les Nouveaux Ballets du Nord – Pas de Calais
• 9h45 et 11h40 – Le Totem – Maison du théâtre pour enfants
Représentations du 9 au 27 juillet – Relâche les 11, 18 et 25 juillet
• Réservation : 04 90 85 59 55
Tarif plein : 9 € – enfant, carte off et réduit : 6,50 € – programmateurs accrédités : 3 €
Argument
Dada n’a ni queue ni tête. Dada colle, agrège, mélange… Dada se moque. Et qui mieux que les enfants sont Dada ? Une danseuse-marionnettiste et un contre-ténor performeur nous plongent dans un monde imaginaire, un univers plastique et sonore portés par l’esprit Dada. Le public se laisse porter par la fantaisie dadaïste, où la parole devient davantage matière que sens.
Mise en scène : Amélie Poirier assistée de Carine Gualdaroni
Construction des marionnettes : Audrey Robin – Marionnettes à gaine : Marta Pereira – Stagiaire construction : Manon Ducrot
Scénographie : Philémon Vanorlé
Lumière : Henri-Emmanuel Doublier
Création en collaboration et interprétation : Mathieu Jedrazak en alternance avec Sylvain Manet, Clémentine Vanlerberghe en alternance avec Jessie-Lou Lamy-Chappuis et Sophie Mayeux, Audrey Robin
Équipe artistique
Créée en 2016 et nommée ainsi à la manière d’une fumisterie DADA, la compagnie porte les spectacles de l’artiste Amélie Poirier. Elle y déploie une recherche pluridisciplinaire où des spectacles pour ados/adultes créés à partir d’une écriture du réel (Voilées : 2018) côtoient des spectacles adressés à la petite enfance (DADAAA : 2019, SCOOOOOTCH ! : 2021) ou en espace public (Diane : 2023). C’est avant tout le sens dramaturgique qui vient dessiner les contours des différents spectacles. La relation corps/objets est au cœur de la démarche de création de la compagnie. Les Nouveaux Ballets développent par ailleurs depuis plusieurs années un travail avec les habitantes et habitants en milieu rural et semi-rural dans le Caudrésis-Catésis. Au sein du Junior Ballet de la compagnie, un espace est dédié aux partages de connaissances, de pratiques et de savoirs avec plusieurs artistes émergentes : Sophie Mayeux, Audrey Robin et Clémentine Vanlerberghe.
Amélie Poirier est associée depuis 2016 au Théâtre des Ilets / CDN de Montluçon-Auvergne et prochainement au Théâtre le Grand Bleu : scène conventionnée jeune public de Lille. Elle codirige par ailleurs la compagnie Synthèse Additive basée à Montréal, Canada.
Soutiens
DRAC Hauts-de-France / Région Hauts-de-France / Institut International de la Marionnette de Charleville-Mézières : soutien aux diplômées et diplômés de l’ESNAM, Dispositif « C’est pour bientôt » du Collectif Jeune Public HDF / CDCN le Gymnase à Roubaix / Grand Bleu : Scène conventionnée art, enfance et jeunesse à Lille / Fondation Beaumarchais-SACD, le TJP / CDN de Strasbourg, Grand Est / Tas de Sable-Ches Panses Vertes à Amiens
Production
Les Nouveaux Ballets du Nord-Pas de Calais
Co-production : Théâtre à la Coque / CNM d’Hennebont / Le Théâtre des Ilets / CDN de Montluçon- Auvergne / Le Carré / Scène nationale de Château-Gontier.
Spectacle musical jeune public
HÉROS (WE CAN BE)
Tout public à partir de 7-8 ans – Durée : 1h00
Compagnie Rêvages
• 10h00 – Théâtre des Carmes
Représentations du 6 au 15 juillet – Relâche le 12 juillet
• Réservation public : 04 90 82 20 47 – Réservation professionnels – presse : 07 49 02 45 90
Tarif plein : 19 € – réduit : 13 € – enfant : 10 €
Argument
Face aux douze Dieux de l’Olympe, quel Héros seras-tu ?
Tout commence par les douze dieux de l’Olympe, qui après avoir fait la guerre pour établir l’ordre sur la terre, veulent répartir les places entre les hommes et eux. Amusés par l’homme et sa misérable condition de mortel, ils se régalent à l’idée de lui infliger des épreuves. Et nous voilà partis à suivre l’épopée de Prométhée et Pandore, puis de Persée.
Replonger dans la mythologie grecque aujourd’hui, c’est se rendre compte que nos limites, nos défauts, nos peines, sont à l’œuvre depuis toujours dans l’histoire humaine, Héros ? We can be !
Librement inspiré de « L’univers, les dieux, les hommes » de Jean-Pierre Vernant (Éditions du Seuil / Éditions Points)
Mise en scène collective – Regard : Noémie Gantier – Adaptation : Sarah Lecarpentier
Création musicale : Guillaume Bachelé
Scénographie conception : Camille Vallat
Construction : Jeanne Boulanger
Avec : Lucie Boissonneau, Anne Freches, Gilles Geenen, Sarah Lecarpentier, Augustin Mulliez
Production et Administration : Magalie Thévenon
Régie générale : Mélanie Sainz Fernandez
Communication et Relations presse : Élodie Sawicz
Graphisme : Belette
Réalisation vidéo : Maxime Ducloyer
Présidente : Frédérique Lamblin
Équipe artistique
La compagnie Rêvages, créée en 2008 par Sarah Lecarpentier, propose des spectacles accessibles à tous : créations ou adaptations, parfois pour le jeune public, qui posent la question de l’héroïsme anonyme. Comment la poésie et le rire peuvent élever nos destinées humaines? Le texte, le plus souvent francophone et contemporain, est central dans le travail de plateau. Le quatrième mur est généralement inexistant, l’adresse au public est directe, parfois interactive. La musique tient une place importante dans les créations, souvent épurées d’un point de vue scénographique.
Soutiens
Région Hauts-de-France / Département du Nord / Département du Pas-de-Calais / Ville de Lille / Ville de Noyelles-Godault / Maison Folie Beaulieu / Ville de Lomme / ADAMI / SPEDIDAM /
Production
Cie Rêvages
Remerciements : Le Théâtre Massenet de Lille / La Manivelle Théâtre de Wasquehal / Le Théâtre la Découverte – la Verrière de Lille.
Marionnette, danse, théâtre de matière
LA MÉTAMORPHOSE – DIE VERWANDLUNG
Tout public à partir de 8 ans – Durée : 50 mn
Compagnie Infra
• 10h00 – Espace Alya
Représentations du 7 au 30 juillet – Relâche les lundis
• Réservation : 04 90 27 38 23
Tarif plein : 14 € – off : 10 € – réduit : 7 €
Argument
Le vivant. Quelle(s) forme(s) a-t-il ? Dans l’éclat doré de la matière, un cosmos. Un monde imaginaire où les créatures se forment, se meuvent, se transforment. La Métamorphose – Die Verwandlung – nous emporte dans un univers unique où le mouvement, la transformation, subliment la vie et incarnent une nouvelle esthétique possible. Ce poème visuel, marionnettique et chorégraphique cherche en nous un autre regard sur l’extrême richesse et la plasticité des formes du vivant. Dans ce spectacle, la chorégraphe Sophie Mayeux lève des carcans, récuse les canons esthétiques : non, il n’y a pas de corps idéal, de corps parfait, de corps uniforme. Au contraire, le vivant n’est pas figé, il est en perpétuelle transformation et sa beauté réside dans ses mues progressives, dans l’émergence de nouvelles formes de vie. Sophie Mayeux interroge cette nouvelle esthétique possible par la disparition des corps sur scènes et la modulation de la matière. De ce poème chorégraphique émanent des images originales et fascinantes, donnant à voir le processus créateur de la vie. Le mouvement des danseurs en déploie alors les paysages oniriques.
Mise en scène : Sophie Mayeux
Création en collaboration et Interprétation : Léo Lequeuche, Simon Caillaud et Hellen Boyko
Plasticienne : Cecilia Borettaz
Création sonore : Kaspar Föhres et Armando Balice
Création lumière : Rob Daanen
Régie générale : Alix Weugue
Regard extérieur : Eve Hopkins et Rachel Mateis
Graphisme : Belette
Équipe artistique
Créée en 2018 et située dans l’Oise, la Compagnie Infra porte le projet artistique de Sophie Mayeux. Artiste pluridisciplinaire, elle navigue entre les arts de la marionnette et la danse. Sa recherche tient à l’exploration des relations au corps, à l’objet et aux matières, avec une attention particulière posée sur le mouvement et la plasticité des formes. Initiée en 2016, la recherche autour de La Métamorphose – Die Verwandlung a permis de développer une forme courte, jouée en duo, primée au ITs Festival d’Amsterdam. Soutenue par la maison de production De Nieuwe Oost à Arnhem, Sophie Mayeux crée en 2019, la version longue du spectacle interprété par 3 danseurs- manipulateurs.
Soutiens
DRAC Hauts-de-France / Région Hauts-de-France / Institut Français des Pays-Bas / SPEDIDAM / Mission Locale de Lille / CRIJ Hauts-de-France
Production
Compagnie Infra
Co-production : Maison de production De Nieuwe Oost-Arnhem, Dispositif « Création en Cours » par les Ateliers Médicis, Culture Commune scène nationale du bassin minier du Pas-de-Calais.
Théâtre d’objets
LA PRINCESSE QUI N’AIMAIT PAS…
Tout public à partir de 6 ans – Durée : 45 mn
Barbaque Compagnie
• 10h40 – Le Totem – Maison du théâtre pour enfants
Représentations du 9 au 27 juillet – Relâche les 11, 18 et 25 juillet
• Réservation : 04 90 85 59 55
Tarif plein : 9 € – off, enfants, réduit : 6,50 € – Programmateurs accrédités : 3 €
Argument
C’est l’histoire d’une princesse qui réussit un jour une superbe mayonnaise. Conseillers et ministres, cuisiniers et garagistes, tout le monde l’affirmait : il fallait la marier ! On fit venir les princes d’à côté, ceux des environs, ceux du bout du monde… aucun ne fit battre son cœur. Et puis, bon, elle n’allait pas passer sa vie à attendre le prince charmant, non ?
Entourée de sculptures marionnettiques, dans un dispositif léger, poétique et ludique, Caroline Guyot, seule en scène, nous offre un regard neuf sur nos contes de fées. Et nous donne à voir joyeusement une princesse qui, comme n’importe quelle jeune femme, interroge le mariage, l’amitié, l’amour et ce qu’elle va faire de sa vie… avec ou sans mari.
Projet de et avec : Caroline Guyot
Mise en scène : Johanny Bert assisté de Adeline-Fleur Baude
Écriture : Aude Denis d’après le roman d’Alice Brière Haquet
Univers plastique et Costumes : Vaïssa Favereau
Chargée de diffusion : Margot Daudin Clavaud
Administratrice de production : Eva Sérusier
Équipe artistique
Comédienne et metteuse en scène depuis de nombreuses années, Caroline Guyot tombe en amour en 2013 pour le théâtre d’objets et décide de se former auprès du Théâtre de cuisine, de la Compagnie Gare Centrale notamment.
En 2016, Barbaque Compagnie voit le jour, avec le souhait de voyager dans les textes de théâtre, classiques ou plus contemporains, en y amenant l’objet, la matière, la nourriture comme support de jeu, de scénographie ou de narration.
Elle crée ainsi le premier spectacle de la compagnie : “Shakespeare vient dîner” en 2016. “La Princesse qui n’aimait pas…” est son deuxième spectacle.
Soutiens
DRAC Hauts-de-France / Région Hauts-de-France
Production
Barbaque Compagnie
Co-production : Le Bateau Feu scène nationale de Dunkerque – La minoterie scène conventionnée art, enfance, jeunesse de Dijon – Maisons folie Moulins, Ville de Lille – Ville de Méricourt.
Théâtre récit
BRASLAVIE BYE BYE
Tout public à partir de 9 ans – Durée : 1h05
Compagnie La Langue Pendue
• 10h45 – Présence Pasteur
Représentations du 7 au 30 juillet – Relâche les 13, 20 et 27 juillet
• Réservation : 04 32 74 18 54
Tarif plein : 15 € – off : 10 € – réduit : 6 €
Argument
Dans le petit village de Targa, en Braslavie, tous nourrissent le même rêve : partir pour l’Italie ! Parce que la rumeur dit que, là-bas, les rues sont propres et le travail rapporte… Mais comment tenter sa chance ailleurs quand les pays voisins, d’un commun accord, décident de fermer leurs frontières ? Qu’à cela ne tienne ! Les villageois n’ont pas dit leur dernier mot. Pour mener à bien leur quête, tous sont prêts à imaginer les idées les plus folles : transformer son tracteur en avion, former une équipe nationale de curling, vendre un rein… N’est-il pas humain de rêver d’un ailleurs quand on habite le pays le plus pauvre du continent européen ?
Cette fresque surréaliste, librement inspiré du livre de Vladimir Lortchenkof “Des mille et une façons de quitter la Moldavie”, raconte comment, dans un pays où règnent corruption, petits trafics et système D, les habitants se battent pour pouvoir vivre dignement. Elle nous raconte aussi les rêves, les espoirs et les doutes de chacun d’eux. Car tout cela n’est pas sans question : quelle attitude adopter face à la misère, abandonner sa patrie vers une terre promise ? Ou, quand cela est possible, rester pour tenter d’améliorer sa condition ?
Mise en scène et Chorégraphie : Rachid Bouali
Écriture et Jeu : Rachid Bouali
Création musicale et Jeu : Manu Domergue
Création lumière et Scénographie : Pascal Lesage
Son et Vidéo : Phédric Potier
Équipe artistique
Formé à l’école Jaques Lecoq, Rachid Bouali fonde la compagnie La langue Pendue en 2002 et crée différents spectacles “Cité Babel”, “Un jour, j’irai à Vancouver”, “Le jour où ma mère a rencontré John Wayne”, “Sans Laisser de Trace”. Toujours à la frontière entre l’acteur et le conteur, il dessine des espaces avec le corps, passant d’un personnage à un autre avec la liberté de briser le quatrième mur à tout moment. C’est dans les contes, les mythes mais aussi les récits de vie qu’il puise la matière nécessaire à inventer et à construire ses histoires. Dans “Braslavie Bye Bye”, il s’est associé à Manu Domergue pour l’architecture sonore et musicale.
Depuis 2019, la Compagnie La Langue Pendue est artiste associé à la maison du conte de Chevilly- Larue. Rachid Bouali est également membre du conseil pédagogique du Labo de Chevilly-Larue.
Soutiens
DRAC Hauts-de-France / Région Hauts-de-France
Production
Compagnie La Langue Pendue
Co-production : Le Vivat d’Armentières et La Maison du Conte de Chevilly-Larue.
MANGEUSE DE TERRE
Tout public à partir de 8 ans / Durée : 55 mn
Compagnie de Fil et d’Os
• 11h00 – Artéphile
Représentations du 7 au 28 juillet, les jours pairs : 8, 10, 12, 14, 16, 18, 22, 24, 26 et 28 juillet
• Réservation : 04 90 03 01 90
Tarif plein : 14 € – off, réduit : 10 €
Argument
La célèbre tireuse de cartes, Pilar Ternéra, nous ouvre son cabinet. Certaines cartes nous renvoient parfois à une histoire, à notre passé… Celui de Pilar restera marqué par sa rencontre avec cette petite “mangeuse de terre” arrivée au village avec, pour seul bagage, une sacoche contenant des ossements. Des os qui continuent inlassablement de claquer sur sa vie.
On pourrait s’attendre à une histoire triste si elle n’était pas inspirée de Gabriel García Márquez et de son réalisme magique. De la peur de l’oubli à l’acceptation, par quelle folie faut-il passer pour se séparer de nos morts et exister soi-même ?
Sous l’impulsion de : Julie Canadas
Mise en scène : Amalia Modica
Écriture : Julien Köberich
Avec : Julie Canadas et Anne-Sophie Dhulu
Création des marionnettes : Alexandra Basquin
Mécanisme des marionnettes : Patrick Smith
Création musicale : Simon Demouveaux
Création lumière : Juliette Delfosse
Régie : Juliette Delfosse ou Laure Andurand
Décor et accessoires : Philippe Martini
Costumes et textiles : Vaïssa Favereau
Visuel et peintures : Aurélie Pascal
Administration : Frédérique Rebergue
Équipe artistique
Une aventure lilloise qui commence en 2015 avec la rencontre de 3 artistes travaillant autour de la marionnette : Alexandra Basquin, Julie Canadas et Vaïssa Favereau. Leurs expériences en création textile, arts plastiques, création de marionnettes ou interprétation les réunissent dans un désir commun d’œuvrer à la création de spectacles alliant matière et histoires. Pour ces artistes, la marionnette permet de créer des atmosphères non réalistes, de donner vie à une grande poésie visuelle, d’embarquer le spectateur, au-delà de ce qui est palpable, dans des dimensions fantastiques ou merveilleuses.
Les créations de la compagnie : « Cœur Cousu » (2015), « Simone is not Dead ! », « L’Os du Cœur » (2016), « Le Bestiaire Articulé » (2017), « Minus Circus, Mangeuse de terre » (2019).
Soutiens
DRAC Hauts-de-France / Région Hauts-de-France / Département du Pas-de-Calais / Ville de Lille / Maison Folie Moulins de Lille
Production
Cie de Fil et d’Os
Co-production : Maison de l’Art et de la Communication – Sallaumines, EPCC La Barcarolle – spectacle vivant Audomarois.
Danse contemporaine, performance
PUCIE
Tout public à partir de 11 ans – Durée : 60 mn
Les Sapharides
• 11h25 – La Factory – Théâtre de L’Oulle
Représentations du 7 au 31 juillet – Relâche les lundis 12, 19 et 26 juillet
• Réservation : 09 74 74 64 90
Tarif plein : 22 € – off : 15 € – réduit : 12 € (- 12ans) – cartes cies et détaxes : 10 €
Argument
Création pour trois danseuses et trois pastèques, PUCIE est un constat empirique autour de l’être-femme. Pour leur première création, les Sapharides mettent en scène l’impudique féminin à travers une danse originelle, tellurique, cyclique et circulaire. Une danse qui ne ment pas, ancrée dans le réel métabolique et biologique de l’être féminin. Julie Botet & Mel Favre imaginent l’existence d’un langage corporel originel et mettent en exergue le naturel du corps qui parle, crie, avec les cuisses, les fesses, la salive, la sueur et l’odeur. PUCIE est une effervescence des fluides qui revendique l’existence dʼun discours intrinsèque de la chair, des courbes, de la peau et des eaux.
Conception artistique et Chorégraphie : Julie Botet et Mel Favre
Interprétation : en alternance, Julie Botet, Lora Cabourg, Mel Favre, Laura Simonet, Elodie Cottet, Marie Sinnaeve
Création sonore : Nicolas Tarridec
Création et Régie lumière : Adrien Hosdez
Créatrice sonore et Coach vocale : Juliette Macquet
Équipe artistique
Les chorégraphes Julie Botet et Mel Favre s’associent en 2016 sous le nom Les Sapharides. Attachées à questionner la place des femmes et de leurs corps dans nos sociétés contemporaines au travers de leurs créations chorégraphiques et leurs performances, elles créent ensemble Dolores (2019), une pièce courte adaptée à l’espace public comme aux plateaux, hommage à la résilience féminine, qui sera présentée à Lille et en Algérie pour le festival Raconte-Arts. Leur second projet de création, PUCIE, pièce vouée à mettre en scène l’impudique féminin, voit le jour en septembre 2020.
En parallèle de leurs projets de création, Julie et Mel développent et dispensent des workshops appelés Fleshdance, pensés en lien direct avec les réflexions abordées dans PUCIE et proposés en non-mixité ou en mixité choisie à des groupes amateurs et/ou professionnels.
Actuellement, Les Sapharides travaillent à une nouvelle création intitulée Jumelles, performance pour 4 danseuses, abordant la question de la transmission entre femmes et de la force inhérente aux ventres des femmes. Cette recherche est accompagnée par le Vivat d’Armentières, scène conventionnée d’intérêt national art et création, le dispositif Happynest d’accompagnement à l’émergence de la compagnie Superamas, La Région Hauts-de-France et le Ballet du Nord – CCN de Roubaix.
Soutiens
DRAC Hauts-de-France / Région Hauts-de-France / Le Vivat – Scène conventionnée danse et théâtre à Armentières
Production
Les Sapharides
Production déléguée : L’iLiaque – bassin de création à Lille.
Théâtre
LOSS
Tout public à partir de 14 ans – Durée : 1h10
Compagnie Ex-Oblique
• 11h30 – 11, Avignon
Représentations du 7 au 29 juillet – Relâche les 12, 19 et 26 juillet
• Réservation : 04 84 51 20 10
Tarif plein : 20 € – off : 14 € – réduit : 8 €
Argument
Loss ou perte en français.
Une scène d’anniversaire en famille. Rudy fête ses 17 ans.
Bientôt il se jettera sous un train. Loss parle de la survie de ceux qui restent après.
Une fable d’aujourd’hui.
Comment survit-on après la mort d’un proche ?
Pourquoi le seul destin de nos morts seraient leur inexistence ?
Qu’est-ce que tu fais toi de tes morts ? Comment tu vis avec ?
Est-ce que tu prends soin d’eux ? Tu parles à tes morts toi ?
Et eux est-ce qu’ils te parlent ?
Tes morts à toi est-ce qu’ils sont vivants ?
Conception : Noëmie Ksicova
Mise en scène : Noëmie Ksicova, Cécile Péricone
Avec : Lumir Brabant, Anne Cantineau, Juliette Launay, Théo Oliveira Machado, Antoine Mathieu et Noëmie Ksicova
Lumière : Annie Leuridan
Compositeur : Bruno Maman
Scénographie : Céline Diez
Régie générale et Régie lumière : Louise Rustan
Régie son : Morgan Marchand
Production, Diffusion, Presse : AlterMachine, Carole Willemot, Élisabeth Le Coënt, Erica Marinozzi
Administration : Sarah Calvez
Équipe artistique
Jusqu’à présent, les créations de la compagnie questionnent la notion de “réparation”. Comment garder vivant ce qui n’est plus? Et penser le plateau comme espace possible de “consolation de ce qui n’a pas pu avoir lieu”. Comme un ultime espace où les frontières entre réalité et fiction, morts et vivants, passé et présent peuvent être brouillées.
Noëmie Ksicova parlait de nos rapports à la mémoire et aux souvenirs dans son précédent spectacle Rapture et plus spécifiquement de la question du deuil dans Loss. Elle va créer à l’automne 2022 L’Enfant brûlé, librement inspiré du roman de Stig Dagerman, qui questionnera entre autre la question de la réparation mais aussi comment le passé, mémoire sensible, continue à travailler le présent.
La compagnie est installée en Picardie et fait partie du Pôle européen de création / Campus Amiens- Valenciennes. Noëmie Ksicova est artiste compagnon à la MCA d’Amiens et sera, à partir de la saison prochaine Artiste Colibri à la Compagnie de L’Oiseau Mouche.
Soutiens
DRAC Hauts-de-France / Région Hauts-de-France / SPEDIDAM / Le Théâtre du Chevalet Scène conventionnée de Noyon / CDN de Béthune / Le Théâtre Paris Villette
Production
Compagnie Ex-Oblique
Co-production : Campus décentralisé Amiens-Valenciennes / Pôle européen de création / Le Phénix Scène nationale de Valenciennes / Maison de la Culture d’Amiens.
Théâtre
OÙ TU VAS
Tout public à partir de 8 ans – Durée : 50 mn
Compagnie Correspondances
• 11h40 – Espace Alya
Représentations du 7 au 30 juillet – Relâche les 12, 19 et 26 juillet
•Réservation : 04 90 27 38 23
Tarif plein : 14 € – réduit : 10 € – moins de 12 ans : 7 €
Argument
Iris et Assia ne se connaissent pas. L’une est chez elle, l’autre fuit son pays. L’une rejette l’autre, la peur est aux commandes et l’espace chasse gardée.
C’est une histoire de limites à apprivoiser pour mieux les dépasser, de frontières à faire tomber, de rencontres à cultiver…
L’auteure pose les mots, justes et simples, pour décrire le rejet, le refus des idées toutes faites mais aussi pour raconter l’autre peur, celle qui fait fuir, celle qui fait arriver quelque part loin de chez soi sans plus savoir où on va.
“Où tu vas” est dans la sélection “Petite merveille” du classement Kibookin.fr
Écriture et Mise en scène : Marion Bonneau (texte édité à l’École des Loisirs)
Avec : Mavikana Badinga et Delphine Galant
Décor et Costumes : Sausen Mustafova
Lumières et Vidéo : David Bru
Équipe artistique
La compagnie Correspondances explore les dialogues possibles entre les arts (danse, théâtre, arts plastiques, vidéo) au service de formes théâtrales plurielles qui questionnent notre rapport au monde. Elle a récemment débuté une collection de poèmes chorégraphiques à destination du tout public à partir de 3 mois (Bout de Bleu et Ronde Rouge).
Si elle privilégie les textes contemporains, il peut lui arriver de s’emparer d’un classique, pour mettre en perspective son propos avec notre actualité comme pour “Grand Peur et Misère du Troisième Reich” de Bertolt Brecht, sa création 2020 reportée à janvier 2022.
Soutiens
Région Hauts-de-France / Département de la Somme / SPEDIDAM / Communauté de Communes Nièvre et Somme / Fond Artscène
Production
Compagnie Correspondances.
Théâtre
CRAMÉ
Tout public à partir de 13 ans – Durée : 60 mn
Compagnie L’Impatiente
• 11 h 45 – La Factory, Salle Tomasi
Représentations du 7 au 31 juillet – Relâche les 12, 19 et 26 juillet
• Réservation : 09 74 74 64 90
Tarif plein : 20 € – off : 14 € – réduit : 10 €
Argument
“Tout ça, c’est déjà joué d’avance. Trois frères, une boîte de nuit et rien d’autre. Des cendres, rien que des cendres.”
Trois frères se planquent après avoir cramé une boîte de nuit, la leur. Autour de l’immeuble, une voiture de police banalisée tourne.
CRAMÉ est une pièce rythmique, drôle et violente où les personnages sont des petites frappes comme sorties d’un film de Scorsese dont ils seraient les seconds rôles, sorte de mafieux ratés, mal dégourdis, cramés, rongés par les tares familiales. Par le biais d’un thriller absurde et sensible, le spectacle questionne notre capacité à assumer un rôle, choisi ou subi, au sein d’une famille, d’un groupe ou d’une société. Dans ce huis clos inflammable, L’impatiente cherche à inscrire une identité forte et reconnaissable par un langage personnel qui interroge le réel.
Mise en scène et Scénographie : Antoine Domingos assisté de Livia Dufoix
Texte : Antoine Domingos
Avec : Théo Borne, Antoine Domingos, Clément Soyeux
Lumière : Aury Chassignol
Équipe artistique
L’Impatiente est une compagnie lilloise créée en 2018 par l’acteur et metteur en scène Théo Borne et Antoine Domingos, acteur, auteur et metteur en scène. La compagnie développe son travail autour de textes originaux qui abordent la fragilité des rapports humains et suivent les destins de personnages à la sensibilité exacerbée et aux choix radicaux. Après une première création en 2019 “Cramé”, la compagnie crée en 2021 “Au-dessus de vos têtes”, un spectacle qui aborde des thématiques propres à la jeunesse.
Soutiens
DRAC Hauts-de-France / Région Hauts-de-France
Production
L’Impatiente
Co-production : Cie Les Voyageurs – Le Zeppelin.
Théâtre d’ombre, musique
L’HOMME QUI PLANTAIT DES ARBRES
Tout public à partir de 7 ans / Durée : 1h00
Les Chiennes Savantes
• 12h35 à Présence Pasteur
Représentations du 7 au 31 juillet – Relâche les 13, 20 et 27 juillet
• Réservation : 06 81 77 02 08
Tarif plein : 15 € – off : 10 € – réduit : 5 €
Argument
Jean Giono a écrit cette nouvelle en 1953 pour “faire aimer à planter des arbres” disait-il. Sensible au récit, au manifeste pour la planète qu’il représente, et parce que “ces arbres que l’on plante sont aussi des convictions, des enjeux, et des combats”, la compagnie Les Chiennes Savantes monte cette fable philosophique dans un spectacle, qui s’adresse à des jeunes bientôt adultes et responsables d’un monde fragile à préserver. Dans un univers plus contemporain, qui réactualise le texte sans le trahir, Charlotte Talpaert choisit comme décor l’utopie et le songe. À travers un théâtre d’ombres, de musique et de bruitage, elle construit un ailleurs qui laisse, au-delà du récit, la porte ouverte à tous les imaginaires, à tous les possibles. Jolie façon de semer aussi quelques petites graines.
Mise en scène : Charlotte Talpaert
Musique et bruitage : Blaise Desjonquères
Manipulation, Jeu et Chant : Rébecca Forster et Charlotte Talpaert
Regard extérieur : Anne-Gaëlle Ponche
Construction : Fred Sintomer, Vincent
Herlemont et Charlotte Talpaert
Administration : Célia Cadran
Équipe artistique
Les Chiennes Savantes, depuis sa naissance en 2009, n’a eu de cesse d’être en prise directe avec la société dans laquelle elle est plongée. Avec ses différents spectacles (fuck you europa, la rage du sage matin brun, etc.) et en particulier L’Homme qui plantait des arbres, ils prennent les textes d’auteurs et d’autrices magnifiques pour aboyer et hurler au monde du marché néo-capitaliste, de façon ludique poétique, la haine qu’ils nourrissent
face à son illogique et mortifère religion du productivisme. Pour la directrice artistique, Charlotte Talpaert, ses créations sont un moyen de dialoguer avec ses contemporaines et contemporains. Aussi, les rencontres avec le public, les débats ou les ateliers de sensibilisation (en amont ou aval du spectacle) font partie intégrante de sa démarche artistique globale. Dans cette lignée, les Chiennes Savantes sont en période de création sur le thème de l’antispécisme et du véganisme avec deux formats : une forme légère et tout terrain : la conférence gesticulée Végane ! Ou presque… Ainsi qu’Animal.e.s : une création autofictionnelle où elle sera accompagnée au plateau de l’auteur Antoine Lemaire ainsi que du musicien Blaise Desjonquère et de la vidéaste Sandra Suire.
Soutiens
DRAC Hauts-de-France / Région Hauts-de-France / Département du Pas-de-Calais / Channel à Calais, Théâtre Massenet à Lille, Théâtre de la Licorne à Dunkerque
Productions
Les Chiennes Savantes
Co-production : Les Grand Bleu à Lille, MAC à Sallaumines.
facebook.com/les.chiennes.savantes
HISTOIRE DE LA VIOLENCE
Tout public à partir de 13 ans – Durée : 1h10
Anima Motrix
• 13h45 – La Manufacture (Départ navette intra muros), 14h05 début spectacle à La Patinoire
Représentations du 6 au 25 juillet 2021 – Relâche les 12 et 19 juillet
• Réservation : 04 90 85 12 71
Tarif plein : 20,50 € – off : 14 € – réduit : 9 €
Argument
Alors qu’il rentrait d’un repas de Noël, Édouard est abordé par Reda, un jeune kabyle. Ils passent la nuit ensemble, puis la situation dégénère : sous la menace d’une arme, Édouard est étranglé et violé. Un an plus tard, de retour dans sa Picardie d’origine, il se confie à sa sœur Clara qui raconte ensuite les faits à son mari. Caché, Édouard l’écoute. Sous les lumières crues, trois interprètes donnent vie à ce récit sensible et brutal. Par la collision de leurs gestes et de leurs discours, c’est la violence physique, sociale, symbolique qui s’incarne dans une performance charnelle et radicale. Laurent Hatat et Emma Gustafsson tirent de la polyphonie du récit une pièce vertigineuse. Sur un plateau nu, trois interprètes entremêlent ces voix et donnent chair à l’indicible avec sensibilité et émotions.
Adaptation et Mise en scène : Laurent Hatat et Emma Gustafsson
Texte : Édouard Louis (ed. du Seuil)
Jeu : Mathias Zakhar (Édouard), Samir M’Kirech (Reda), Julie Moulier (Clara)
Lumière : Anna Sauvage
Univers sonore : Fabrice Tison
Régie plateau : Roméo Rebière
Équipe artistique
Créée en 1997, à Béthune, elle est animée par son directeur artistique, le metteur en scène Laurent Hatat. Ce dernier a mis en scène près de 25 spectacles pour Anima Motrix qui ont connu un rayonnement national et international ; entre autres, les créations de Grand Cahier/A.Kristof (Comédie de Béthune 1999) Nathan Le Sage/Lessing (Théâtre du Nord 2009), Nanine/Voltaire (Théâtre du Nord, 2011) HHhH/Binet (Festival d’Avignon off 2012) Retour à Reims/Eribon (Festival d’Avignon off 2014). Le travail artistique de Laurent Hatat est plus que jamais d’explorer les débats intimes, sociaux, politiques qui agitent le monde d’aujourd’hui, d’en pointer et démontrer les mécanismes de domination, de violences. Ces dernières années Anima Motrix a élargi son approche artistique avec une réflexion sur le mouvement et son impact émotionnel. La co-mise en scène avec Emma Gustafsson du texte d’Édouard Louis, Histoire de la Violence, marque les prémices d’une collaboration artistique intense. S’affirme depuis une ligne artistique nouvelle. Celle d’un entrelacé entre danse et théâtre, entre la pensée en mouvement et le corps intelligent. L’adaptation chorégraphique du Corps Utopique de Michel Foucault, entièrement dansé et joué en est l’acte fondateur, exceptionnellement elle sera donnée dans le cadre des NightShot de la Manufacture du 20 au 25 juillet.
Soutiens
DRAC Hauts-de-France / Région Hauts-de-France / Département du Pas-de-Calais
Production
Anima Motrix
Co-production : Le Phénix – Scène Nationale Valenciennes, Château- Rouge – Scène conventionnée Annemasse, Escher Theater (Luxembourg), La Comédie de Béthune – CDN Hauts-de-France, La Rose de Vents – Scène Nationale de Villeneuve-d’Ascq Le Trident – Scène Nationale de Cherbourg.
Performance
LE CORPS UTOPIQUE
Anima Motrix
23h00 – La Manufacture – Intra Muros – Nigthshot
Théâtre
CES FILLES-LÀ
Tout public à partir de 11 ans – Durée : 1h55 (trajet en navette compris)
La Collective Ces Filles-Là
• 15h30 – Théâtre du Train Bleu
Représentations du 9 au 26 juillet – Relâche les 15 et 22 juillet
• Réservation : 04 90 82 39 06
Tarif plein : 20 € – off : 14 €
Argument
À l’école de Sainte-Hélène, 20 filles grandissent ensemble, toujours dans la même classe. De la maternelle au lycée, elles forment un groupe uni. Elles sont “meilleures amies” jusqu’au jour où : Biiip – Tweeet – Clic ! Nous sommes en cours d’histoire et toute la classe reçoit un texto : une photo de Scarlett, toute nue. C’est le début du harcèlement, d’un match impitoyable au cours duquel un groupe de filles en affronte une.
Des comédiennes, en ligne, ghetto-blaster en main, baskets bien lacées, regardent le public droit dans les yeux pour lui dire “entre filles, il faut se serrer les coudes”.
Conception : Suzanne Gellée et Zoé Poutrel
Texte : Evan Placey
Traduction : Adelaïde Pralon
Jeu : Marine Behar, Elsa Canovas, Lola Haurillon, Ariane Heuzé, Pauline Masse, Audrey Montpied et Zoé Poutrel
Costumes : Cécile Box
Direction vocale : Claire Rolain
Graphisme : Jue Jadis
Administration : Clotilde Fayolle
Diffusion Avignon : Camille Lévêque
Équipe artistique
La Collective Ces Filles-Là est une compagnie de théâtre. Elle rassemble 11 femmes de différentes disciplines artistiques. Un point commun les unit : un goût prononcé pour les questions de société, d’actualité et la pluralité du féminisme. Leurs créations cherchent à rendre visible la parole féminine : des œuvres qui parlent de femmes, créées par des femmes, pour tout le monde. C’est le cas de CES FILLES-LÀ et de la prochaine création, Les Culottées en Baskets (titre provisoire), qui racontera des histoires de femmes qui se sont battues pour leurs droits dans le milieu du sport – sortie fin 2022. En exploration constante du monde qui l’entoure, La Collective Ces Filles-Là travaille en espaces dédiés comme dans l’espace public (terrains sportifs, gymnases, rues,
cours d’école) et multiplie les formes d’intervention auprès des publics. Chaque processus de création s’accompagne de périodes d’immersion dans un environnement en lien avec les thématiques de recherches. Le spectacle CES FILLES-LÀ peut se jouer en version participative avec l’intégration d’un chœur de femmes amatrices.
Le travail de La Collective Ces Filles-Là est fait de cris de joie et de solidarité.
Soutiens
Ville de Lille, Région Hauts-de-France en Avignon, SPEDIDAM
Production
La Collective Ces Filles-Là
Co-production : Ateliers Medicis, Le Boulon – CNAREP (Vieux-Condé), Le Grand Sud (Lille)
Remerciements : École du Nord, Théâtre du Nord – Centre dramatique national (Lille), Le Tripostal (Lille), Jeune Théâtre National (Paris), Théâtre Massenet (Lille), La Ruche – théâtre universitaire de l’université d’Artois (Arras), librairie L’affranchie (Lille), Lycée Henri Senez (Hénin-Beaumont), cie Artonik (Marseille), L’ange Carasuelo cie.
Théâtre d’Images, pluridisciplinaire
LES MARS BROTHERS
Tout public à partir de 7 ans – Durée : 55 mn
Le Kollectif Singulier
• 15h45 – La Scierie
Représentations du 7 au 28 juillet – Relâche les 13, 20 et 26 juillet
• Réservation : 04 84 51 09 11
Tarif plein : 10 € – off : 5 € – réduit : 2 €
Argument
Les Mars Brothers, ce sont trois frères. Tomas, Youri et Patrick, qui rêvent d’aller sur la planète Mars. Entre archives, fictions et documentaires, ils nous entraînent dans leurs imaginaires, jusqu’à nous faire atterrir sur la planète Mars, à 75 millions de kilomètres de la Terre. En léger différé.
Les Mars Brothers, c’est aussi la rencontre de la grande histoire spatiale avec la petite histoire de chaque vie humaine, et la façon dont la conquête de l’espace et celle de Mars en particulier peuvent influencer, illuminer et déployer des vies terrestres.
Avec : Ludovic Darras, Olivier Sellier, Mickael Troivaux
Lumières : Jérémy Pichereau
Sons : Simon Léopold
Équipe artistique
Le Kollectif Singulier, collectif d’artistes pluridisciplinaires associé à la Maison du Théâtre d’Amiens, explore un Théâtre d’Images depuis 2008 dans des formes scéniques hybrides et performatives, une narration fragmentée et une recherche dramaturgique dans la confrontation et l’assemblage des matières.
Soutiens
Région Hauts-de-France / Département de la Somme / Amiens Métropole / L’Institut Français / DRAC Hauts-de-France / ACAP Pôle Régional Image / Pictanovo Images en Hauts-de- France / l’Observatoire de l’Espace du CNES de Paris / Le Chaudron / Scène des Étudiants / Crous Amiens / l’Espace Culture St-André d’Abbeville / La Fabrique de Théâtre de Mons (Belgique) / Le C32 performing artworkspace de Venise/Mestre (Italie)
Production
Le Kollectif Singulier
Co-production : La Maison du Théâtre d’Amiens.
Théâtre
JO&LÉO
Tout public à partir de 11 ans – Durée : 1h10
collectif l a c a v a l e
• 16h00 – Théâtre du Train Bleu
Représentations du 7 au 26 juillet – Relâche les 13 et 20 juillet
• Réservation : 06 28 20 10 78 – Martin Galamez La Magnanerie
Tarif plein : 20 € – off : 14 € – réduit : 10 €
Argument
Deux adolescentes.
Jo, tornade bavarde et solaire. Léo, sauvage, écorchée et sensuelle.
Jo et Léo vont se toiser, se tourner autour, se lier d’amitié et finalement se reconnaître. L’histoire qui se joue sous nos yeux est la naissance d’un sentiment. Au microscope. Comme une dissection de grenouille en cours de SVT. L’éclosion d’un amour.
Et sa répercussion sur les deux êtres touchés par ses flèches.
Fréquence cardiaque. Emportements. Tempête sous les sweats à capuches.
Mise en scène : Chloé Simoneau
Texte : Julie Ménard
Avec : Céline Dély et Chloé Simoneau
Création lumières : François Cordonnier
Costumes : NINII
Création vidéo : Nicolas Drouet et Antoine d’Heygere
Création sonore : Erwan Marion
Administration : Charlotte Nicolas
Diffusion : La Magnanerie
Équipe artistiqiue
Le collectif l a c a v a l e rassemble depuis 2010 cinq artistes venant du théâtre et du cinéma documentaire : Chloé Simoneau, Erwan Marion, Antoine d’Heygere, Julie Ménard et Nicolas Drouet. Charlotte Nicolas les accompagne en administration. La démarche du collectif est documentaire, dans le sens où la matière première des spectacles est issue du réel. Elle est aussi politique. Par leur engagement sur les territoires, les artistes ont la volonté d’ouvrir les portes des théâtres à des personnes qui s’en tiennent ou en sont tenus éloignés ou tenues éloignées. Il s’agit de construire ensemble un regard sur le monde. Leurs créations sont souvent participatives (“Bunker” 2022, “J’aurais aimé que le monde soit parfait” 2021, “Le dernier bus” 2018, “Les choses en face” 2016 et 2018), et particulièrement avec des adolescents ou adolescentes dont ils et elles partagent le tiraillement, entre désir d’être libres et sensation d’être contraints ou contraintes. Enfin, la démarche est collective car elle
mêle leurs savoirs-faires, leurs désirs, leurs esthétiques, leurs espoirs et leurs convictions. Ils et elles naviguent entre différentes échelles, pour des créations portées par un seul des membres – “Jo&Léo” 2018 et “Fugue en L mineure” 2014 portés par Chloé Simoneau et “Noires mines Samir” mars 2021 porté par Antoine d’Heygere – ou l’ensemble du collectif, qui prépare ainsi pour février 2022 la création “L’âge de nos pères” sur la mise à nu de leur processus de création à travers une réflexion sur l’origine de la violence des hommes.
“Théâtre documentaire”, “Théâtre du réel”, “Théâtre de récit”, “Théâtre politique” ? Difficile de trouver un qualificatif compris de tous ou toutes. Nous revendiquons tous ces termes. Convaincus que l’art peut changer le monde, ils défendent une pratique artistique citoyenne, consciente de l’idée qu’un projet est avant tout une rencontre, et une occasion de se questionner, se déplacer et se réinventer.
Soutien
Région Hauts-de-France / Département du Nord / Ville de Paris / Proarti et ses bienfaiteurs/trices / PRODUCTION : collectif l a c a v a l e.
Théâtre
LES CARNETS DU SOUS-SOL
Tout public à partir de 16 ans – Durée : 1h10
Théâtre de Paille
• 16h00 – Théâtre du Centre
Représentations du 7 au 31 juillet – Relâche les 12, 19 et 26 juillet
• Réservation : 06 58 64 33 88
Tarif plein : 20 € – off : 14 €
Argument
Le sous-sol dont il s’agit ici, ce sont les tréfonds d’une âme, les pièces souterraines où elle se réfugie, préférant l’obscurité aux fausses lueurs d’espoir. Dans ce texte court, écrit avant les grands romans qui assureront sa renommée, Dostoïevski met en scène un personnage de misanthrope, reclus au fond de lui-même et bien décidé à se prendre comme objet d’étude, pour démontrer la profonde impasse de la condition humaine. Cet homme est jeune encore, une quarantaine d’années, mais il ne croit plus en rien, et surtout, il maugrée et vitupère contre toutes les illusions, les prothèses, dont les êtres humains s’entourent pour tenter d’échapper à leur inanité. Il souffre d’une lucidité impitoyable, d’une conscience aiguë du mal. Il conteste ainsi la bien-pensance de l’époque, comme la suprématie de la raison sur la volonté, ou l’absence d’un véritable libre-arbitre. Il affirme au contraire l’irréductibilité de son désir, qu’il nomme son “caprice”, et invoque son droit à choisir l’irraisonnable, quitte à approcher la folie. Christophe Laparra engage un corps à corps fiévreux avec ce texte sans concession, dans un dispositif scénographique qui met en valeur l’enfermement de cette conscience malheureuse.
Mise en scène, Scénographie, Interprétation : Christophe Laparra
Adaptation, Dramaturgie, Regard extérieur, Direction d’acteur : Marie Ballet
Création vidéo : Xavier-Bernard Jaoul
Création lumière : Grégoire Desforges
Régie vidéo : Clément Soyer ou Xavier-Bernard Jaoul
Équipe artistique
13 créations mises en scène par Christophe Laparra et 12 participations avec 9 des créations de la Cie au Festival OFF d’Avignon : L’Ogrelet de Suzanne Lebeau (jeune public 2017), J’ai tout de Thierry Illouz (2014), Dans la solitude des champs de coton de Bernard-Marie Koltès (co/mise en scène avec Frédéric de Goldfiem en 2012), Nunzio de Spiro Scimone (2009), La petite histoire de Eugène Durif (2009), L’affaire de la rue de Lourcine de Eugène Labiche (1999), L’Arbre de Jonas de E. Durif (1998), La nuit juste avant les forêts de Bernard-Marie Koltès (1997), … À Petits Pas, écriture et mise en scène Francis Lachaise et C. Laparra (1995). Prochaine création Jeune Public – Saison 21/22 : Dans ma maison de papier, j’ai des poèmes sur le feu de Philippe Dorin, mise en scène Christophe Laparra.
Soutiens
Drac Hauts-de-France / Région Hauts-de-France / Département de L’Oise / Le Pocket- Théâtre à Nogent-sur-Marne / Théâtre Le Chevalet à Noyon
Productions
Théâtre de Paille
Co-production : Comédie de Picardie à Amiens.
Théâtre
JE NE MARCHERAI PLUS DANS LES TRACES DE TES PAS
Tout public à partir de 15 ans – Durée : 1h25
Compagnie de L’Arcade
• 16h45 – 11, Avignon
Représentations du 7 au 29 juillet – Relâche les 12, 19 et 26 juillet
• Réservation : 04 84 51 20 10
Tarif plein : 20 € – off : 14 € – réduit : 8 €
Argument
Trois sociologues, deux femmes et un homme, embarquent pour un voyage d’études en Afrique de l’Ouest afin d’évaluer l’impact des programmes humanitaires. Les voici loin de leur monde, dans un huis clos forcé et déstabilisant, confrontés au regard de l’autre et soumis aux inévitables rapports de pouvoir, aux jeux de domination : les alliances se nouent et se dénouent, les masques et les postures s’effritent. Très vite, dans leurs dialogues et leurs introspections, dans leurs corps mêmes, surgit le spectre d’une honte originelle qui les hante et les empêche de vivre.
Mise en scène : Vincent Dussart
Texte : Alexandra Badéa
Scénographie et Lumières : Frédéric Cheli
Chorégraphie : France Hervé
Avec : Juliette Coulon, Xavier Czapla, Laetitia Lalle Bi Bénie et le musicien Roman Bestion
Musique : Roman Bestion
Costumes : Lou Delville
Régie Générale : Quentin Régnier
Administration de production : Alexandre Denis
Diffusion : Rustine, bureau d’accompagnement artistique
Équipe artistique
La Compagnie de l’Arcade, direction artistique Vincent Dussart, est une compagnie de théâtre implantée en région Hauts-de-France depuis 2001. Elle défend un théâtre humaniste, de texte, qui questionne la construction de l’individu et les conceptions de l’homme telles qu’elles traversent l’histoire du théâtre, l’homme pris dans ses interactions avec l’autre, le couple, la société, la famille. Après un cycle de trois ans articulé autour de la problématique des interdépendances entre la société et l’individu, notamment par le biais de la relation au travail (Pulvérisés – création 2017), la compagnie a débuté un cycle questionnant l’héritage et sa transmission (Je ne marcherai plus dans les traces de tes pas ; Ma forêt fantôme – création 2021 ; Autopsie d’une photo de famille – création 2023). Afin de travailler ces différentes thématiques, l’Arcade propose de développer un projet reposant à la fois sur la création de formes spectaculaires (grandes et petites), et sur des projets d’actions culturelles conduits en direction et avec les habitants. Ces deux grands axes s’enrichissent mutuellement et permettent de dessiner un projet cohérent en prenant en compte l’intérêt des artistes, des structures culturelles et des habitants.
Soutiens
DRAC Hauts-de-France / Région Hauts-de-France / Département de l’Aisne / Ville de Soissons / ADAMI / SPEDIDAM
Production
Compagnie de l’Arcade
Co-production : FATP (Projet lauréat de l’appel à projet 2018 de la Fédération d’Associations de Théâtre Populaire), Le Mail-Scène culturelle, Le Palace à Montataire, La Ville de Saint-Quentin.
Théâtre – Musique
J’AURAIS PRÉFÉRÉ QUE NOUS FASSIONS OBSCURITÉ ENSEMBLE
Tout public à partir de 13 ans – Durée : 1h00
Compagnie Franche Connexion
• 16h50 à Présence Pasteur
Représentations du 7 au 31 juillet – Relâche les 13, 20 et 27 juillet
• Réservation : 04 32 74 18 54
Tarif plein : 18 € – off : 12 € – réduit : 8 €
Argument
La compagnie Franche Connexion met en scène et en musique le recueil de poèmes d’amour écrit par Claire Audhuy.
Le quartet piano-batterie-violoncelle-chant prend à bras le cœur ce texte écrit après l’attentat du Bataclan et relaye l’indicible.
Sans fard et sans se poser de question, Stéphane Titelein, endosse avec délicatesse ce rôle de femme abasourdie, oscillant de la douleur à l’acceptation. Il y a là une poésie du quotidien. Loin de la colère. C’est par l’histoire personnelle que nous abordons le fait historique bouleversant. Nous sentons l’odeur de la terre et du thé chaud, la douceur du miel et l’âcreté du papier, le souffle d’une tempête et les chuchotements nocturnes des enfants sous les draps.
Mise en scène : Stéphane Titelein
Texte : Claire Audhuy
Avec : Antoine Chartier, Timothée Couteau, Charlie Giezek et Stéphane Titelein
Création et Régie lumière : Vincent Thomas
Régie son : Vincent Thiriez
Décors : Frédérique Bertrand
Production : Ambre Declercq et Thomas Fontaine
Équipe artistique
Franche Connexion raconte le monde au travers d’histoires intimes. Les Éléments prennent une place importante dans l’esthétique des décors : l’eau, le sable, la terre, les feuilles, le papier, ces matières meublent les spectacles. Ces supports ont permis à un comédien “Misérables !”, “D’Eckmühl à Eckmühl”, une équipe “J’aurais préféré que nous fassions obscurité ensemble” ou encore 30 comédiens pros et amateurs : “Peer Gynt”, “Cyrano” d’explorer de manière sensuelle l’incarnation et de permettre aux spectateurs une approche par les sens que la musique rehausse. En 2021, la compagnie montera “La Commune”, spectacle rassemblant pros et amateurs dans la pure tradition de la compagnie depuis 20 ans. La compagnie est intimement liée au Théâtre L’École Buissonnière à Montigny-en-Gohelle (62) et à son rapport à l’Éducation Populaire.
Soutiens
Région Hauts-de-France / Département du Pas-de-Calais / CA d’Hénin-Carvin / Montigny-en- Gohelle / ANCT du Pas-de-Calais
Co-production : Ose Arts / Droit de Cité et le Métaphone 9-9bis.
Théâtre documentaire
L’HOMME QUI TUA MOUAMMAR KADHAFI
Tout public à partir de 14 ans – Durée : 75 mn
Superamas
• 17h05 – 11, Avignon
Représentations du 7 au 29 juillet – Relâche les 12, 19 et 26 juillet
• Réservation : 04 84 51 20 10
Tarif plein : 20 € – off : 14 € – réduit : 8 €
Argument
Dans le cadre d’une enquête au long cours sur les causes de la mort de Mouammar Kadhafi, le journaliste politique Alexis Poulin a recueilli le témoignage exceptionnel d’un ancien officier de renseignement de la DGSE. En poste à Tripoli de 2007 à 2011, il a été un observateur de premier plan des événements qui ont conduit la France à précipiter la chute du dictateur libyen. Et ses révélations jettent un éclairage nouveau sur l’un des secrets les mieux gardés de la cinquième République.
Cet ancien espion a accepté de partager sur scène, avec le public, ce qu’il sait de cette affaire franco-libyenne. Entre “journalisme live” et spectacle documentaire, L’homme qui tua Mouammar Kadhafi est une plongée glaçante dans les coulisses de la géopolitique contemporaine.
Conception, Écriture et Mise en scène : Superamas
Avec : Alexis Poulin et Superamas
Regard extérieur : Diederik Peeters
Création décors et son : Superamas
Création lumières : Henri-Emmanuel Doublier
Costumes : Sofie Durnez et Superamas
Équipe artistique
Superamas est un collectif artistique européen fondé en 1999. Son travail articule une réflexion critique de l’environnement socio-politique contemporain et une recherche formelle sur la représentation théâtrale et/ou médiatisée, dans la lignée de La société du spectacle de Guy Debord. Associé de 2012 à 2015 au Kunstencentrum Vooruit de Gand, puis à la Maison de la Culture d’Amiens, Superamas est basé dans les Hauts-de-France, où le collectif bénéficie du soutien de la Région, de la DRAC, du département de la Somme et d’Amiens Métropole. Les pièces BIG 3, High Art et EMPIRE ont notamment été programmées au Festival d’Avignon In. Sa précédente production, Chekhov Fast & Furious, a été créée en juin 2018 lors du festival international Wiener Festwochen (Autriche). Ses membres ont fait le choix de conserver l’anonymat.
Soutiens
DRAC Hauts-de-France / Région Hauts-de-France / Département de la Somme / Amiens Métropole / Montévidéo Marseille / La Chartreuse de Villeneuve-lez-Avignon (centre national des écritures du spectacle) / Szene Salzburg / Tanzfabrik Berlin / L’Institut Français / Le réseau APAP – cofinancé par le programme Europe créative de l’Union européenne
Production
Superamas
Production déléguée : Le Manège Scène nationale à Maubeuge
Co-production : Théâtre Jacques Tati à Amiens.
Comédie trash
FRIGIDE
Tout public à partir de 14 ans – Durée : 1h10
Compagnie VoulezVous?
• 17h10 – Artéphile
Représentations du 8 au 28 juillet les jours pairs
• Réservation : 04 90 03 01 90
Tarif plein : 16 € – off , réduit : 11 €
Argument
M., star déchue de l’underground pédé, ne croit plus en rien ni personne. Rejeté, exclu, reclus ; il a trouvé refuge dans sa tanière. La peur des autres et de leur normalité l’empêche de sortir. Il ne veut plus se battre. Il sera ce qu’il est, seul. Dans sa grande générosité perverse, sa mère lui offre un frigo qui deviendra une fenêtre ouverte vers ses démons. S’engage alors un combat schizophrénique dans lequel M. affrontera une capitaine de majorette, l’avocat Juan Branco, sa psy, sa mère, son nain ougandais… Frigide est un seul en scène délirant qui tire son inspiration du Frigo de Copi. Cette libre interprétation rend hommage à ce fan de rats et de talons hauts en dévoilant nos monstres intimes pour leur rendre leur liberté. Dans cette performance hilarante et décalée, Malkhior et la compagnie VoulezVous? donnent naissance à une créature exubérante et interrogent notre regard sur ces minorités qui, grâce à leur différence, aident l’humanité à avancer.
Mise en scène : Camille Pawlotsky et Stéphane Aubry
Écriture et Interprétation : Malkhior (Jérémy Dubois)
Scénographie et Costumes : Thelma et Louise
Musique : Pygmy Johnson
Chorégraphie : Pascal Loussouarn et Cindy Deseque
Équipe artistique
La Compagnie VoulezVous? est une compagnie lilloise créée en 2012 sous l’impulsion de Malkhior et Camille Pawlotsky puis rejoints par Stéphane Aubry. Elle réunit de multiples artistes du spectacle vivant et réinvente un théâtre de variété, contemporain et engagé. Du spectacle déambulatoire au seul en scène, de l’adaptation d’oeuvres artistiques majeures à des créations originales, VoulezVous? propose à tous types de publics, une réflexion et des échanges autour de problématiques sociales et culturelles contemporaines importantes : l’égalité femme- homme, la différence, les liens intergénérationnels, les rencontres interculturelles… Elle attache une attention particulière aux personnes trop souvent qualifiées de “marginales”, à leurs univers, à la beauté de leurs combats. Depuis sa création, la compagnie a créé les spectacles Remulus et Frigide. Elle a répondu à des projets de territoire: Le Marathon du Matrimoine, Un Genre de Quizz, Les Amants de Bailleul, Séjour dans un Container, Éric l’Anguille… Depuis deux ans, elle organise à la Villette une résidence de création participative appelée “Échographie”. À l’Automne 2022, la cie présentera sa prochaine création “Cendres & Confettis”. La première étape de travail est à découvrir le 23 juillet au Théâtre Artéphile dans le cadre des Officieuses.
Soutiens
Région Hauts-de-France, Ville de Lille, Maisons Folies Moulins et Wazemmes à Lille, Point Éphémère à Paris
Production
Compagnie VoulezVous?
Co-production : La Villette à Paris.
Théâtre
LA CLÉ DES CHOSES
Tout public à partir de 8 ans – Durée : 55 mn
Cie Art Tout Chaud
• 17h35 – Espace Alya
Représentations du 7 au 30 juillet – Relâche les 12, 19 et 26 juillet
• Réservation : 04 90 27 38 23
Tarif plein : 12 € – off : 8,5 € – réduit : 6 €
Argument
La clé des choses est la nouvelle création salle pour le Jeune Public de la compagnie. Elle aborde les thèmes de la transmission, de la fratrie, du rapport au temps et de l’attachement que l’on porte à toutes ces choses, matérielles ou non, dont on hérite.
Paul et Anna sont frère et sœur. Ils se retrouvent pour vider la maison familiale. Ils doivent faire le tri de toutes ces “choses” imprégnées des souvenirs d’enfance mais aussi de tout ce qui aura construit une histoire de famille. Alors qu’ils ne se voyaient plus trop, la nécessité de devoir faire face ensemble à ce déménagement sera finalement l’occasion pour chacun de s’ouvrir à l’autre.
Mise en scène : Hervé Germain
Interprétation : Luc Kienzel et Sophie Matel
Lumières : Didier Malaizé et Flora Bellorini
Texte : Catherine Verlaguet
Son: Lug Lebel
Costumes : Bertrand Sachy
Décor et Accessoires : Stéphane Fauchille
Équipe artistique
Créée en 1986, la compagnie Art Tout Chaud s’est engagée dans l’aventure professionnelle en 1991. Hervé Germain et Luc Kienzel en assument aujourd’hui la responsabilité artistique. Dès l’origine, s’est affirmée l’idée de collectif de création. Cette ambition a permis à la compagnie d’avancer au gré des collaborations, des compagnonnages, des invitations, des aventures communes et des rencontres. Cette mouvance continue de construire l’histoire d’une “famille” artistique dont l’envie première est de vibrer à ce que le spectacle a de plus vivant, en salle, dans la rue, en tout lieu que l’illusion théâtrale peut enchanter, magnifier par la magie du verbe, du mouvement, de tout ce qui permet de raconter notre vie, notre monde. Un théâtre populaire en ce sens qu’il s’adresse à tous, petits et grands, avec exigence et sans complaisance.
Soutiens
DRAC Hauts-de-France / Région Hauts-de-France / Département de la Somme / Ville d’Amiens Métropole
Production
Art Tout Chaud
Co-production : Le Palace de Montataire / La Comédie de Picardie.
Danse
PLUBEL
Tout public à partir de 14 ans – Durée : 1h20 (trajet en navette compris)
Compagnie cats&snails
• 18h05 à La Manufacture – Château de Saint-Chamand
Représentations du 16 au 25 juillet – Relâche le 19 juillet
• Réservation : 04 90 85 12 71
Tarif plein : 20,50 € – off : 14 € – réduit : 9 €
Argument
Plubel est un voyage hypnotique d’imitations et de collage où la choralité -voire la sororité- se fait outil pour rendre visible ce qui a été caché.
Dans une chorégraphie de groupe où les mouvements se font rythme et mélodie, et en puisant dans de multiples références (depuis les vestales antiques, jusqu’aux choristes afro-américaines en passant par les sorcières médiévales ou encore les mannequins sur leur catwalk), Plubel questionne à la fois la composition chorégraphique et ces figures féminines soit surexposées soit cachées. De la masse, du groupe, chacune s’extrait individuellement et laisse apparaître son entité propre, comme une possible tentative d’émancipation.
Chorégraphie : Clémentine Vanlerberghe et Fabritia D’Intino
Interprétation : Clémentine Vanlerberghe, Fabritia D’Intino, Céline Lefèvre, Marie Sinnaeve en alternance avec Daria Greco
Musique : Federico Scettri
Lumières : Pierre Staigre
Équipe artistique
La compagnie cats&snails a été créée en 2018 pour suivre le travail chorégraphique de Clémentine Vanlerberghe et notamment sa collaboration avec la chorégraphe Fabritia D’Intino. Elles développent également chacune leur travail chorégraphique ; Plubel est leur première co-écriture, sélectionnée pour les PSO 2018, Danse Élargie 2018, Danse Élargie – la suite en 2019 (Paris et Londres), et La Vetrina della
Danse
USURE
Tout public à partir de 8 ans / Durée : 1h45 (trajet en navette compris)
Compagnie Zahrbat
• 18h05 à La Manufacture – Château de Saint-Chamand
Représentations du 6 au 15 juillet – Relâche le 12 juillet
• Réservation : 04 90 85 12 71
Tarif plein : 20,50 € – off : 14 € – réduit : 9 €
Argument
Pour les danseurs, l’usure des corps est souvent perçue comme un facteur dégradant. Avec la fatigue des muscles et des articulations, l’outil du danseur ne répond plus comme au début. À quarante-sept ans, le chorégraphe Brahim Bouchelaghem est quotidiennement confronté à cette question. Dès lors, comment transformer cette dégradation inexorable et inéluctable en avantage ?
À la croisée du hip-hop et de la danse contemporaine, six interprètes accompagnent Brahim Bouchelaghem sur le plateau. Chaque danseur raconte alors sa propre façon de lutter en repoussant ses limites, à la frontière de l’épuisement. Une belle leçon de danse et de ténacité !
Chorégraphie : Brahim Bouchelaghem
Interprétation : Fouad Atzouza, Link Berthomieux, Ismaera, Chinatsu Kosakatani, Nordine Hellali, Sacha Vangrevelynghe et Brahim Bouchelaghem
Musique originale : Nicolas de Zorzi
Musiques additionnelles : R.ROO et Diaphane
Lumières et Scénographie : Adrien Hosdez
Construction : Quentin Hosdez
Régie Générale : Philippe Chambion
Administration et Coordination artistique : Marie Greulich
Équipe artistique
Après avoir forgé son expérience sur les plateaux en tant qu’interprète chorégraphique depuis 1989, Brahim Bouchelaghem fonde la compagnie Zahrbat en 2004, année de création de son premier solo du même nom et développe depuis son
propre langage chorégraphique, qui dépasse le vocabulaire hip hop et se place dans le mouvement de l’écriture contemporaine.
Entre 2005 et 2021, treize créations voient le jour, dont deux à l’international (Russie et Ukraine). Après le beau succès à Avignon festival off en 2014 avec “Sillons”, Brahim Bouchelaghem et la compagnie Zahrbat reviennent avec le spectacle “Usure”, création 2018.
Brahim Bouchelaghem est un artiste insatiable, toujours en quête de réflexion sur le monde qui l’entoure, point de départ de toutes ses créations ; dernière création en date, une pièce jeune public “Almataha”, danse, marionnettes et théâtre d’objet.
Soutiens
DRAC Hauts-de-France / Région Hauts-de-France / Département du Pas-de-Calais / Ville de Roubaix
Production
Compagnie Zahrbat
Co-production : Espace Culturel Ronny Coutteure – Ville de Grenay
Remerciements : Espace culturel Ronny Coutteure – Grenay, Ballet du Nord et Espace Flandre Hazebrouck pour le prêt de matériel.
Poésie et musique
POÉTIQUE ENSEMBLE
Tout public à partir de 7 ans – Durée : 1h00
Diptyque Théâtre
• 18h20 à Artéphile
Représentations du 7 au 27 juillet les jours impairs
• Réservation : 04 90 03 01 90
Tarif plein : 16 € – off, réduit : 11 €
Équipe artistique
Eugène Durif a confié ses poèmes, entre cris et paroles intimes d’une terrible douceur, au Poétique Ensemble qui les fait résonner en musique.
Matthias Gault a greffé à son alto électrique une corde de violoncelle et n’hésite pas en faire une percussion. Ayouba Ali chante, à la croisée de l’électro, de la pop et des musiques actuelles. Et Mona El Yafi, à la lisière de la parole et du chant porte ces poèmes d’aujourd’hui.
Ensemble, ils font éprouver que la poésie est bien vivante, vibrante et ludique. Convaincus que la poésie est affaire de présent, ils placent chaque soir au coeur du spectacle un moment de performance : une improvisation autour de deux poèmes qu’ils découvrent en même temps que le public.
Conception : Mona El Yafi et Matthias Gault
Chant et machines : Ayouba Ali
Jeu et flûte traversière : Mona El Yafi
Violon Alto : Matthias Gault
Avec la participation sur certaines représentations : Eugène Durif
Équipe artistique
Mona El Yafi et Ayouba Ali co-dirigent Diptyque Théâtre depuis 2014.
Tous deux interprètes, la première est également autrice et le second metteur en scène. Leur travail de création est fondé sur le thème du désir : désir d’amour et désir érotique avec Inextinguible en 2015, désir de conformité ou de non-conformité aux morales établies avec Les 7 péchés capitaux en 2016 et 2017, désir de métier avec Desirium Tremens en 2018, désir de parole avec Aveux en 2020 et Je m’appelle Alice ou La parole des petites filles en 2021. C’est cet élan qu’est le désir, ouvrant sans cesse des chemins de traverse dans sa puissance et ses contradictions, qu’ils cherchent à mettre à vif et en jeu dans leurs spectacles. Avec le musicien Matthias Gault, ils créent en 2015 le projet Poétique ensemble, laboratoire de recherche de création autour de la poésie contemporaine. En 2018 Eugène Durif leur confie ses poèmes édités dans les tomes 1 et 2 d’Au bord du théâtre, édition La Rumeur Libre. Diptyque Théâtre est en résidence à la Scène Europe de Saint-Quentin et en résidence longue de territoire à La Manekine-scène intermédiaire des Hauts-de-France avec le soutien de la Région Hauts-de-France et du département de l’Oise.
Soutiens
Région Hauts-de-France / Département de l’Oise / SPEDIDAM / La Manekine-Scène intermédiaire régionale des Hauts-de-France / Ville de Saint-Quentin (Aisne) / Institut Français d’Indonésie / Théâtre Municipal Berthelot-Jean Guerrin / Le Vent Se Lève ! – Un Tiers-Lieu d’art et de la culture / Comme Vous Emoi – Fabrique culturelle à Montreuil
Production
Diptyque théâtre.